Texts about Monica Mazzone -

My research is a study into the idea of being able to perceive and visually express the obsession for perfection, proposing the geometry as a guiding principle of the creative act.
The intent is to visually convey the logical relationships that underpin the work to rationalize one’s own emotions and make them communicable, in the secret ambition to create a universal visual language. These numeric and mental places are translated into “Images-Object”, category according in which I work with paintings, drawings or sculptures, combinig together two and three-dimensionality, as a visual supports of the numerical supposition, the fundamental principle for each work. I take personal issues that affect the ability of individual expression and the relationship between self and world as a point of departure, always determining some limits, restraining my radius of action and my tools. I apply mathematical and geometrical rules to determine continuous forms that incorporate in themselves their processing power becoming transcriptions of a conceptual process that is made concrete by describing an hypothetical but plausible dimension.

It means “to add to the minimum forms a controlled emotional charge, making empirical the geometric process that produces a visual image with a sentimental impulse”.

I reassemble and make visible these forms with the use of aluminum and pictorial intervention, creating spatial structures perceived as parts of a rhytm, an order, to show a relationship between seeing and knowing, offering a rigorous but ambiguous ways to implicate the body itself and its own proportions, where, as I believe, “Humanity finds its centrality in such disciplines as mathematics and geometry, wrongly held to be depersonalising”.

I work to achieve objective results like an industrial finishing even if all of my works are handmade by myself.

Looking Forward While Looking Back: Guiding Principles – Interview

(Link below)

The artist presented in this iteration of Looking Forward while Looking Back is Monica Mazzone.

From a set of defined variables following a series of instructions, to the use of geometry as a guiding principle for rationalizing emotions, these works are the result of processes based on predetermined rules and protocols.

But even if a structure is in place, the interactions along the way and the multiple external variables can generate results that inform, simultaneously, the process itself and the viewer. Among the variables are weight and gravity, optical illusions, and spatial structures that reveal a path for contemplation of ideas, memories and relationships as they change, transform and appear.

Can you tell us a bit more about your process when creating artwork?

Idea and execution in my research are on the same level, there is no priority, the aberrant invention of the rules and the logical application are on the same level, they are alternating phases of a single progress.

I start from a concept, I study its numerical and visual resolution, I choose the media that can best express that idea, therefore whether it is painting or sculpture, for me it is always the visual explanation of a silent but sensorial act, with a controlled emotional charge.

Everything is a channel of the loving need found between the variant and the rule, though limiting yourself to observing events while inventing your own tool and rules.

Geometric forms and proportions go beyond construction and compositional technical objectives. They are an emotional architectural synthesis.

How are you doing these days? Is your artwork being influenced by or providing an outlet from the current events in the world?

During lock-down I mostly drawn since I was not able to head my studio and at home I only had paper and some pastels. Sometimes I didn’t feel my mind clear enough to think about new works so I decided to take my time. Now the situation has definitely improved so I am working on new paintings and sculptures for the next exhibitions and fairs.

How do you see the role of art and artists in society today?

I believe the artists are as important as all the others figures in our society, but probably since Art takes form as a job and in daily life we should be more sincere and honest.

Very often artists ego-centrism is the engine that drives individual research and the need to create hypothetical universal languages, but to leave competition aside in this moment in history could have a key role to find certainties that people need.

Is there something specific that you hope to explore in the future?

I would like to built a monumental sculpture, since a while I am working on a art public project and I really hope to finalize it as soon as possible.

https://www.narsfoundation.org/2020_virtual_exhibitions/guiding-principles

Video Documentary

(Italian version – Link below)

Video-documentary about my work shot on the occasion of the solo show “Non appena fuori di me” at – MTN, Museo Temporaneo Navile – in Bologna, Italy.

https://www.youtube.com/watch?v=egNlNg7oap8

Video Interview

(Italian version – Link below)

Video Interview shot on the occasion of the exhibition “Regular Dreams” at – la rada, space for contemporary art – in Locarno with Cult+ cameras, the online cultural magazine of RSI’s Radiotelevisione Svizzera.

https://www.facebook.com/RSIcultplus/videos/398215451024234/?id=100012302948183

Mazzone Monica , Non appena fuori di me

(Italian version – Link below)

Inaugurata il 27 settembre 2019 al museo temporaneo navile – mtn di Bologna, Non appena fuori di me, personale dedicata all’artista Monica Mazzone, costituisce un’ulteriore tappa del percorso espositivo intrapreso dal museo incentrato sull’indagine del rapporto uomo-territorio. Visibile fino al 26 ottobre 2019, la mostra offre però una visione del tutto inedita di tale relazione, scaturita da un approccio altrettanto inedito nell’esaminare la questione.

“La mia ricerca si basa sullo studio della geometria e delle regole matematiche in relazione alla percezione delle entità che solitamente chiamiamo ‘dimensioni’. La necessità di razionalizzare e di spiegare logicamente le emozioni e gli istinti che quotidianamente vivo mi ha portato a coniare il termine ‘geometria emotiva’, espressione che indica meglio il mio operato artistico”Monica Mazzone

I lavori di Monica Mazzone, infatti, non si confrontano soltanto con l’ambiente circostante, ma derivano innanzitutto da una profonda analisi del proprio corpo, inteso sia come contenuto che come contenitore. Le leggi della geometria e della matematica attraverso le quali l’artista realizza le sue tele e le sue sculture costituiscono quindi uno strumento per sintetizzare il rapporto che unisce il mondo interiore e la realtà esteriore, l’involucro e lo spirito, il corpo e l’ambiente.

La ricerca viaggia dunque su un doppio binario che coinvolge il soggetto e lo spazio che lo circonda: entrambe le entità assumono un ruolo primario perché protagoniste di un’interazione, un’esperienza che aggiunge e sottrae allo stesso tempo. Così, nel polittico Proiezione meno Uno (2019) l’artista, ad esempio, sintetizza il legame spaziale che instaura col museo rappresentando il rapporto tra le proporzioni dell’ambiente e quelle del suo corpo; in Autoritratto senza testa con il cuore (2019) l’attenzione si concentra sulla propria identità per poi coinvolgere tutto il resto: la dimensione corporea dell’artista si aggiunge però a quella spirituale, emotiva, e il tutto si relazione nuovamente con lo spazio-museo. Autoritratto senza testa con il cuore può essere considerato la sintesi perfetta del lavoro di Monica Mazzone: la “geometria emotiva” – termine da lei stessa coniato – alla quale si appella non prevede nulla di freddo, inerte o statico, ma presuppone sempre qualcosa di vivo, un’esperienza che coinvolge l’artista in tutto il suo essere.

Antongiulio Vergine – ATP diary

http://atpdiary.com/monica-mazzone-museo-temporaneo-navile-mtn-bo/

Non appena fuori di me

(Italian version)

L’arte è una pratica di conoscenza empirica dell’esistente: è la sperimentazione dei possibili modi di relazione con il reale. Tra questi, quello scelto da Monica Mazzone: utilizzare un linguaggio rigoroso guidato da una ferrea logica come strumento di un’indagine che ha le sue fondamenta nell’esperienza concreta dell’incontro tra sé e il mondo. Un procedimento analitico che parte da una base arbitraria per razionalizzare la molteplicità del vissuto soggettivo.

Con Non appena fuori di me Monica Mazzone presenta un nuovo ciclo di lavori che sviluppano il percorso intrapreso nell’ultimo anno con la serie degli autoritratti, dove la fisionomia si traduce in una composizione geometrica determinata dall’elaborazione di un personalissimo canone in cui i rapporti numerici ideali sono desunti dalla misurazione delle parti del proprio corpo. Mazzone si elegge a modulo per costruire un’anatomia strumentale che diventa unità di misura dello spazio, che – al contrario della tradizione classica che arriva a Le Corbusier – non sottintende la fiducia umanistica dell’uomo come misura di tutte le cose ma è la scelta narcisistica e radicale di mettere se stessa al centro e stabilire il proprio sentire come primo atto conoscitivo. L’elaborazione dell’esperienza personale implica un processo di razionalizzazione e la conseguente necessità di un linguaggio universale ed esatto per esprimersi individuato nella geometria di cui l’artista si appropria piegandola a sintesi dell’interazione tra sé e l’ambiente circostante, ridefinito prescindendo dalla concezione spaziale comunemente ritenuta oggettiva.

È un’azione allo stesso tempo conoscitiva ed esplorativa: appropriarsi di un territorio significa invaderlo ed esserne, al tempo stesso, invasi, impegnando energie, emotività, tensioni, strategie alternate di occupazione e di abbandono che Mazzone descrive in termini di “intermittenza/assenza” tra l’esperienza contingente e il “ricordare a memoria lo spazio che esiste fra gli spazi quotidiani”. Significa anche marcarne i confini: le opere diventano così i punti cardinali di una inedita mappatura che trasforma il luogo estraneo in paesaggio familiare, proiezione in divenire dell’incontro/scontro tra l’ambiente e la fisicità corporea che lì si incarna e si disincarna, occupandolo lo spazio o, al contrario, dissolvendosi nella traccia che ne testimonia il passaggio.

Così il grande polittico intitolato Proiezione meno Uno ne è la mappa vista dall’alto, a volo d’uccello dove la dissolvenza rappresenta la sottrazione dell’ingombro del corpo di Monica Mazzone che riappare in Le avversità sono solo spazi di pretesa, scultura cubica che ne inscrive idealmente l’estensione nel quadrato a cui fa eco A remarkable portrait of me (I/II/III) tre autoritratti che rimandano all’altra forma perfetta, il cerchio per rispecchiarsi in Autoritratto senza testa con il cuore che rappresenta la proiezione sovrapposta del cranio con il torace. La presenza dell’artista si moltiplica in sua assenza ridefinendo le coordinate del Museo Temporaneo Navile secondo la sua immagine.

Non c’è intento riduzionista in questa pratica di astrazione, né nostalgia modernista ma la spinta innata verso il controllo dell’impulso sentimentale che ne è l’origine. L’emozione – “Amore” come lo definisce l’artista – veicola la necessità primaria, quella di “non sparire” affermando la propria presenza nell’opera: ne è testimonianza la delicata e seducente cromia delle superfici, virtuosamente dipinte per velature nei toni del viola, del verde e del grigio, sulle forme disegnate a mano e, nelle sculture, dalle tensioni appena percettibili, come impulsi nervosi trattenuti eppure avvertibili sotto la pelle delle sottili lastre di alluminio che si protendono nel vuoto.

Utilizzando indifferentemente scultura e pittura, tra le quali c’è un’assoluta soluzione di continuità, Monica Mazzone parte dal dato concreto della relazione contingente che lega indissolubilmente corpo e ambiente sublimandola in una sintesi formale che testimonia la tensione mai soddisfatta del superamento dell’accidentalità fenomenica e del caos emotivo dell’esperienza – che ne è il sottotesto – verso un ordine razionale che contenga quello che c’è Non appena fuori di me. Un inesausto lavoro di analisi – e autoanalisi – alla ricerca di una reciprocità tra vedere e conoscere.

Rossella Moratto

Regular Dreams – Intervista a Monica Mazzone

(Italian version – Link below)

Lo spazio indipendente la rada di Locarno ospita, Regular Dreams, una mostra con le opere di Monica Mazzone e Marta Ravasi, curata da Valentina Negri.

Regular Dreams è stata pensata come dialogo tra i linguaggi delle produzioni delle due artiste, dove la geometria e la razionalità di Monica si confronta con la ricerca pittorica emotiva di Marta.
L’apparente disparità e diversità tra le produzioni sono sottese al tentativo ossessivo di ricerca della perfezione e della trasposizione materiale delle idee (tormentate) che accompagnano le artiste nella vita quotidiana.

Segue un estratto dell’intervista con l’artista Monica Mazzone.

Valentina Negri: Beh, innanzitutto, ti piace la mostra? Sei soddisfatta del risultato?

Monica Mazzone: certo, ovvio. Mi sembra un buon insieme di lavori, come un fiume che percorre una vallata e ogni riva è un ambiente diverso. Quello che più mi gratifica è lo scambio di opinioni, questa mostra è stato un processo più che un risultato, far convivere due ricerche diverse potrebbe sembrare non semplice, ed infatti in alcuni momenti non lo è stato, ma fin dal primo incontro con Marta si sono evidenziate delle peculiarità che ci accomunano. Poi che dire, infinita la disponibilità di Riccardo Lisi, direttore de la rada e incalzante la visione della curatrice Valentina Negri. Davvero raro poter lavorare in armonia e libertà nonostante le discordanze, vorrei davvero ringraziare tutti.

V: sono d’accordo è stato un processo in divenire, secondo me non si è ancora concluso…ma veniamo a te, inziamo da una domanda scontata ma necessaria: chi o che cosa influenza maggiormente la tua ricerca?

M: sono una lettrice curiosa e vorace, prendo spunto da ogni dove, ma il mio pozzo senza fine è senz’altro la geometria (Euclidea)e lo studio assiduo della matematica. I numeri sono la cosa più strana al mondo per me, faccio sempre questo esempio, in fondo, se ci si pensa, di un numero è facile dire a cosa serve, quasi impossibile dire cosa è.
Il mio riferimento è sempre la geometria Euclidea che per molti è superata e obsoleta dato l’avvento di un pluralismo metodologico, da prima con la geometria ellittica e quella iperbolica e poi con gli importanti studi odierni della fisica quantistica, dove il metodo non ricopre più il ruolo fondamentale, ma l’attenzione è traslata sui criteri di controllo.
Il mio punto di vista invece non ricerca la completezza di conoscenza, piuttosto la verità assoluta e l’origine formale in tutta la sua assurdità, accettandone l’aspetto fallimentare fin dal principio, senza mai demordere.
Il punto è scegliere la geometria per descrivere la realtà in una sorta di continua sperimentazione soggetta ad infinite revisioni che portano quasi sempre ad uno stesso risultato.
Elaborare arbitrari assiomi e prospettive personali visive e di significato, convenzioni da rispettare, norme con cui regolare il quotidiano.
Dunque, contrariamente a quanto molti pensano, esistono sistemi di riferimento geometrici contraddittori fra loro: la matematica, infatti, è bizzarra, viva ed umorale oserei dire, nel mio caso soprattutto emotiva. Sono ossessionata dai numeri, mi piacciono, mi lusingano, mi permettono di

V: Come definiresti il tuo approccio con lo spazio e cos è per te lo spazio?

M: lo spazio è essenzialmente l’unica dimensione esistente, prolunga della mia persona è il luogo che frequento, che invado e da cui sono invasa quotidianamente. Percepisco lo spazio come l’origine possibile, cerco dunque di studiare costantemente quale è il significato delle entità che solitamente chiamiamo “dimensioni”.
Cercare di rappresentare lo spazio in modo lineare, logico e razionale senza negare la possibilità della continuità formale. Ogni qualvolta sono a tu per tu con un progetto nuovo risuona nella mia testa una sola domanda: “Che tipo di spazio occupa il riflesso di uno “spazio”?”
Ovvero, quali sono le ipotesi di significato e di rappresentazione che si celano dietro questo luogo percettivo? L’approccio al disegno tecnico e lo studio della geometria descrittiva mi permettono di affrontare la questione con tracciati in cui il disegno bidimensionale coincide con la tridimensionalità dando vita a geometrie impossibili, che seguono regole giustificabili, ma del tutto inventate.
Lo spazio in questi termini diventa rappresentazione di se stesso espressa con codici modulari e geometrici che vanno oltre le finalità costruttive e compositive, sono una sintesi architettonica emozionale.

V: come nell’opera Dimensione notevole che hai pensato appositamente per lo spazio de la Rada, o sbaglio?

M: “Dimensione notevole” è la visualizzazione dell’intervallo notturno e onirico, il tentativo di rappresentare lo spazio che occupo quando dormo; spesso faccio sogni simbolici in cui sposto oggetti geometrici all’interno di piani cartesiani. Il mio corpo si trasla letteralmente nel letto, a volte è piacevole, spesso doloroso. Decisamente un altrove, la dimensione astrale probabilmente, dove poter inventare unità di misura, gestire l’ambiente ed esserne succube al tempo stesso. Entrare e uscire, verde e viola, salire e scendere. Ruotare.

V: Per te ha più importanza l’esecuzione o l’idea nel tuo processo creativo?

M: nella mia ricerca non esiste una priorità, tutto è sullo stesso piano, l’invenzione aberrante delle regole e l’applicazione logica delle stesse sono fasi alternate di un unico andamento. Parto da un concetto, ne studio la risoluzione numerico-visiva, scelgo il media che meglio può esprimere quell’idea, dunque che si tratti di pittura o di scultura, per me è sempre l’esplicitazione visiva di un atto silente, ma sensoriale, con una carica emotiva controllata. Sono trascrizioni di uno sviluppo concettuale che si fa concreto descrivendo una dimensione ipotetica ma plausibile
L’idea invisibile di esprimere la funzione per eccellenza con un automatismo regolato, quasi fosse intrinseca al processo, l’immagine del processo stesso ricercando una sorta di “Rappresentazione Immaginifica”.
Il criterio dell’evidenza si produce e si distrugge in un’alternanza senza fine e come risultato ottengo forme semplici, basilari, il magnetismo degli elementi primi riconoscibili da chiunque, riconducibili a qualunque cosa. Le tre forme per eccellenza con cui tradurre ogni tipo di immagine in un rapporto diretto con il mondo reale, il cerchio il triangolo il quadrato.

V. come vuoi che vengano osservate le tue opere? Cosa vuoi che lo spettatore tragga da questa esperienza?

.M: la fruizione è ovviamente determinante, ma proprio per questo credo debba essere il più possibile aderente alla libertà esperienziale del singolo.
Ognuno possiede una unicità di visione, non credo si debba addomesticare la curiosità.
Fatta la premessa, il mio lavoro parla dello spazio e della possibilità di esprimere con una tensione ordinata determinate sensazioni, mi piacerebbe che venisse alla luce l’importanza delle aree bianche nei dipinti come il prolungamento del muro, dello spazio ipotetico, in corrispondenza allo svolgimento delle geometrie. Le sculture hanno delle costruzioni in cui l’incastro, l’equilibrio e il bilanciamento del peso rispetto alle dimensioni sono fondamentali. Le forme, poi, tendono alla perfezione; la superficie offre una pulizia quasi clinica che spesso è accompagnata da graffi e sbavature che raccontano il lavoro manuale.
Vorrei si percepisse la ricerca dell’oggettivazione con il calore di un abbraccio.

V: Sei cresciuta e ti sei formata artisticamente in Italia ma ora vivi all’estero, che influenza ha nella tua ricerca il luogo in cui vivi ora?

M: dal 2015 vivo tra Milano e New York, con vari viaggi anche nella direzione asiatica.
New York è una città molto stimolante, le innumerevoli possibilità di vedere mostre e incontrare gente molto diversa da me sicuramente hanno influito sul mio approccio all’arte. Ho imparato ad essere più flessibile con l’intorno, ad inventare soluzioni, ma anche a mantenere rigida la ricerca e sentire sempre meno la necessita di dover compiacere gli altri.In fondo non voglio credere che il mio valore artistico e di essere umano dipenda costantemente dal giudizio degli altri. Dunque più che essere stata influenzata sulla ricerca, sono stati i risvolti personali ad evolversi, vado dritto per la mia strada, squadra e colori alla mano, mi adatto all’ambiente, ma non cambio le mie necessita di analisi e osservazione del mondo.

V: cosa farai dopo che questa mostra finirà?

M: sicuramente un drink tutti insieme per festeggiare la serata e magari della musica ad alto volume, poi l’ennesimo volo per gli States. Da domani si torna al lavoro, mi aspettano un progetto di public art che prevede la realizzazione di una scultura in un parco, una bella collettiva e il prossimo solo show.

REGULAR DREAMS, dal 30 marzo al 1 maggio 2019
la rada, Locarno (direttore Riccado Lisi)
Artiste: Monica Mazzone e Marta Ravasi
A cura di Valentina Negri

http://atpdiary.com/regular-dreams-mazzone-ravasi/

An interview with the Italian artist Monica Mazzone

(Italian/English links below)

An interview with the Italian artist Monica Mazzone, talking about her work, her artistic attitude, the study of geometry and of the focus attention on the idea of universal concept.

Your research is based on the obsession for perfection that has geometry as its guiding principle in so far as it’s a creative act. Could you explain and analyze this concept for me?

Perfection is a failing principle. But despite this, what interests me is the tendency for potential, the inclination towards an attitude.
Each single work is the result of a mathematical-linguistic study, with numbers and geometry in some cases you can affirm that a determined preposition is true and false at the same time, in a total aperture of meaning that has always fascinated me.
Trying to reach the infinite, expressing everything, being able to draw all things and make the incomprehensible visible with a few basic elements, totalizing forms that hold within essence and essentiality. Obsession—well, you can’t explain that.

With geometry you tend to achieve a universal language. Could you elaborate on this idea of yours?

The magnetism geometric forms exert upon man has always been studied. Just consider the presence of the triangle as a divine symbol in all religions, traditions, and philosophies. And yet, we can’t describe the reason with any precision. Geometric order exists everywhere in the cosmos.
I try to analyze the relationship between people and the world from various viewpoints, especially regarding space. Everyone occupies some, thus creating an intentional discard of meaning, a set and subset in mathematical terms. We are indeed an extension.
Geometry, the art of measuring, not only reveals spatial quantities, but is, in its own right, a universal language, a channel of the reproduction in visual form of notions like numbers in accord with the principle and archetype of creation, as the ancients teach us: Pythagoras, in the treatise titled “Sacred Discourse,” states there are four paths to Wisdom: Arithmetic, Geometry, Music, and Spheres (or Astronomy); or Plato in the “Republic” states “directing the soul towards the Truth, and giving birth to the scientific spirit, which elevates our gaze towards superhuman things instead of focusing it, as we do, on earthly things.”
So I look for contact with the divine through sort of transcribing the earthly image in the heavenly world, studying the numerical and proportional structure of those things that relate to me, even for just a fleeting moment—be they objects, places, or characteristics.
The secret desire to create a universal visual language that can translate systems and relating measurements, to be able to control one’s emotions and extravagances with atemporal memory.

What do you mean when you discuss Images-Objects?

All my research tries to have the greatest coherence regarding various aspects: I start with a concept. I study its numerical-visual resolution. I choose the medium that can best express the idea.
Even the technical formalization becomes part of the work in a constant transcription of a conceptual process.
The need to coin a new term to name my works is an attempt to stress my analytical approach towards things, situations, emotions.
The idea of offering a different vision of a place—for example, many of my projects are site-specific even if they are paintings, almost as if it were possible to create a new axis on the Cartesian plane or a new real dimension—starts with making an image, obviously if we mean visual art, where however objective specificities, like the measurements and the proportions that exist between the space of display and the work itself have a fundamental value in understanding that work.

Based on what you’ve just explained, how do you relate with the space surrounding you? Many of your works are orthogonal or isometric projections. They reread reality, they are forms that overturn space, where two and three dimensionality join in a single work. Can you explain?

Every time I enter a space I try to understand the hypotheses of meaning hidden behind those entities that we normally call “dimensions.”
Using technical drawings and rules of descriptive geometry I analyze the possibilities of representing the area in question. I look for new forms hidden in the architecture layout, where, all in all, two-dimensional drawing coincides with the tridimensional.
The key question is: what happens if I shift the viewing point at the precise place where the axes relating to the representation of this place meet? And, as regards Euclidean geometry, is there a possibility of portraying this third dimension only with a ruler and a compass? Or still, can I outline an extreme synthesis of these numbers and areas by treating the map as if it were just a unit of pure geometric forms?
I start from the drawing, always; a sort of meditative mantra that allows me to become part of the dimension I’m analyzing.
At times, the development is pictorial, with exasperated antithesis. I have elaborated a technique that almost allows me not to leave traces of my acts. I don’t want to be present in a work in personal terms, even though, obviously, the work itself is part of me; at other times, I use sheets of aluminum which allow me to draw as if they were paper, and then integrate the result with a sculptural approach.
The use of aluminum is tied to a three dimensional practice, but also to painting and two dimensions. The metal reflects or absorbs light, depending on the workmanship I choose. In any event, it’s always gray and, at the same time, it is in synch with the colors surrounding it, including the viewers.

You define your work as “empirical” and “with sentimental impulse.” These are odd adjectives for conceptual and geometric poetics.

For me, everything is a channel of the loving need found between the variant and the rule, though limiting yourself to observing events while inventing your own tools and own rules.
Geometric modules and proportions go beyond the construction and compositional technical objectives. They are an emotional architectural synthesis.
The invisible idea of grasping the function par excellence in an automatic and regulated process, almost as if it were (and the possibility is obvious) intrinsic to the process, the image of that very process.
Obliging a geometric form to one’s own interest by freezing and withholding the dynamic gesture that is very often a sentimental encounter of minimal acts, a love for all things, in a silent act.

You give particular value and meaning to colors. Can you explain which?

Almost always my palette is reduced to a single pair, purple and green, opposed yet complementary extremes, the yin and yang of a personal pattern, even if, all in all, I’m expanding this to blue, the intersection of the first two colors, the color of night that erases. I don’t like going to sleep. I’ve always been a night-person. Darkness is the connection to Heaven-Universe-Energy.
In the past, I used gold in this sense, with explicit references to ancient traditions. And then there’s grey. The color of shadows, for me it corresponds to the silence in music, a pause, a breath, an opening to the three dimensional and the total sum of color possibilities.

What significance does rhythm have in space?

There’s a direct link between the words order and rhythm (from the Greek rythmòs), so a system of norms that regulate the composition and correlated elements, like for example a geometric matrix that is chosen and repeated, leading to the proportionality of space. In a word: SYMMETRÍA.
The project I’m working on, a new series of small painted Images-Objects, which will soon become three dimensional, is an exploration of the spatial rhythm that exists on my face.
It’s well known that specific proportions inside the human body exist. The most classic example is the golden section and the resulting theoretical (and non-theoretical) applications, but in this case my consideration derives once again from a query: which is the only part of my body that I’m never able to see, if not in reflection? What kind of space does the reflection of a “space” occupy?
For a series of reasons I felt the need to work directly on the “territory” I invade every day, that is, my face, scrutinizing better the space that exists between my eyes, the sensory organs of sight, of perception, of judging. A series of self-portraits that mark off the definitions of what I call Space, even though I can’t observe it.

You live in Milan and New York. What differences are there in these two art systems?

If the world is small, the art world is minute. New York is a stimulating and destructive city, all at the same time; as regards the system, the offer is vaster and interest in something new is always present.
Here, the idea of rivalry constantly shifts one’s limits, and so you have to think quicker.
The market has various levels that intersect and overlap, the usual complex question, but only in economics books.

You recently finished a residence at the NARS Foundation in New York. Can you say a few words about this experience?

I was chosen for this international program. I had the chance to meet other artists from all parts of the world and with research that is totally different from mine. NARS is an actual community where the staff, right from the start, studies the work of each artist to offer a diversified network that allows you to expand your contacts in a targeted way. Every week there are studio visits with critics, curators, gallery owners from key sector institutions in New York and abroad. I was also very pleased with the Open Studios and obviously the exhibition that we created, step after step, in which I presented two new site-specific works. An experience that surely enriched me on a professional and personal level.

ITALIAN: http://www.musecontemporanee.com/2018/07/09/monica-mazzone/

ENGLISH: http://www.musecontemporanee.com/2018/07/09/monica-mazzone-en/

Monica Mazzone

Carefully prepared with mathematical equations, the works of Monica Mazzone are a search for what the artist has defined as “emotive geometry”.
The manual creation brings irregularities and movement to compositions that are only apparently minimal.

The work for the Premio Cairo, Composizione per movimento unico, unites sculpture and panel painting.

The installation opens a series that the artisti is devoting to an inquiry into classical architectural orders and has as its starting point the orthogonal projections of Doric columns.

The viewers can pass through the work: in this way they find themselves at the intersection point of the orthogonal axes, surrounded by an interplay of fullness and voids, two-dimensionality and three-dimensionality.

Humanity finds its centrality in such disciplines as mathematics and geometry, wrongly held to be depersonalising.

Stefano Castelli

Monica Mazzone, i paradossi di una geometria emotiva

(Italian version)

Nella prima fase del suo lavoro, Monica Mazzone (Milano, 1984) elabora complesse equazioni matematiche, cercando di influenzare il risultato sin dalla scelta delle variabili.
Ne derivano forme rigorose ma suggestive, una sorta di “antiminimalismo” declinato in disegni, sculture di alluminio, quadri-scultura e oli su tavola.

Lungi dall’essere mere trasposizioni di forme geometriche, le sue proiezioni ortogonali “in negativo” e le sue elaborazioni dei paradossi della geometria euclidea sono realizzate a mano e contemplano dunque l’imperfezione.
≪La geometria ha una carica emotiva≫, spiega. ≪Mi affascinano le dicotomie della matematica, il fatto che un’affermazione possa essere vera e falsa contemporaneamente≫.
Un simbolo efficace del controverso rapporto tra vero e falso, reale e virtuale che caratterizza i nostri tempi.

Stefano Castelli

ZZ

(Italian version)

È la zeta che li tiene insieme. Sembrerebbe questo, a prima vista, l’unico trait d’union tra Monica Mazzone e Aldo Mozzini, artisti di sesso e generazioni diverse che procedono in direzioni apparentemente ostinate e contrarie. Invitati a tradimento da Ermanno Cristini a riss(e) e costretti a convivere in una stanza tutta per loro, sembrano voler esprimere forze centripete che spingono verso direzioni divergenti: verticalità e solidità contro orizzontalità e morbidezza, levigatezza e geometria contro scabrosità e spontaneità, ordine e proporzione contro disordine e sproporzione.

Il dialogo formalmente impossibile tra Mazzone e Mozzini è pero tutt’altro che un discorso chiuso: è invece una partita aperta in cui, sebbene tesi e antitesi non trovino né tentino una sintesi, le opere si nutrono della reciproca diversità raggiungendo un inaspettato quanto bizzarro equilibrio. Gli opposti non solo si attraggono, ma finiscono per compensarsi. L’apparente paradosso in realtà nasconde un comune sottotesto: il lavoro sulla specificità del contesto, in quanto spazio architettonico ed espostivo per Mazzone e in quanto identità, storia e vissuto per Mozzini.

Monica Mazzone parte dalla realtà concreta dello spazio per arrivare a definire la forma delle sue sculture grazie a un metodo logico-matematico che si sviluppa su presupposti teorici e parametri oggettivi, anche se arbitrariamente scelti, che determinano un risultato incontrovertibile. Questa razionalità deriva dalla tensione verso la perfezione che l’artista individua nella logica rigorosa del processo. La forma e le dimensioni delle piramidi tronche ottagonali è la diretta conseguenza dalla complessa elaborazione grafica della proiezione della planimetria che, privilegiando l’andamento dell’asse diagonale – la zeta – viene completata con degli elementi triangolari – i vertici mancanti – che fanno da raccordo con le catene che scandiscono orizzontalmente e ritmicamente la sala espositiva. L’artista crea così una relazione necessaria tra l’opera e il contesto e tra scultura, pittura e architettura: il procedimento è riportato pittoricamente in un dittico, eseguito con una tecnica raffinatissima per sovrapposizioni di velature, che è quasi una dichiarazione tautologica ma allo stesso tempo apre, grazie al colore, uno spiraglio alla dimensione dell’emotività che è sempre sottintesa nel suo lavoro e bilancia la freddezza post-minimalista delle sculture.

Questa emotività latente avvicina Mazzone alla sensibilità di Mozzini e, in particolare, a questi lavori, intrisi di umanità. Anche l’artista svizzero ha lavorato in stretta relazione al contesto, inteso non come spazio fisico ma come luogo di la foto di ZENTRUM è di Patrizia Giambi narrazioni e di memorie. L’uso di materiali di scarto e di riciclo, ricorrente nella sua pratica, è finalizzato al racconto poetico del percorso artistico di Ermanno Cristini, che dirige lo spazio e lo ha abitato per diversi anni, utilizzandolo anche come studio. Prendendo a prestito alcuni suoi oggetti personali (i celeberrimi zoccoli che richiamano la serie realizzata dallo stesso Mozzini) e parti di sue opere – o citandole e ispirandosi espressamente a esse – realizza sei nuovi lavori idealmente a quattro mani che danno corpo a una relazione amicale e professionale. Collocate in ordine sparso, sono presenze morbide, destrutturate, che testimoniano il gesto che le ha modellate, quasi una carezza, e rimangono, come spesso accade nei lavori di Mozzini, come appunti lasciati in sospeso di un discorso che pone la questione della relazione tra spazio privato e pubblico e tra dimensione intima e sociale della pratica artistica.

La zeta, che ironicamente li tiene insieme, è l’ideale linea spezzata che sintetizza la complessità delle relazioni che legano le opere al contesto – che nel caso di riss(e) è già in sé un’operazione artistica – e le molteplici possibilità di sperimentazione creativa in continuità con esso.

Rossella Moratto

Monica Mazzone

Nata a Milano nel 1984, vive e lavora tra Milano e New York. Fra le mostre personali: L’intenzione di una retta, Studio Maraniello, Milano, 2016; ThePerfect Universe, Merkur Gallery, Istanbul, 2014; …Per un quasi infinito, Formentini Gallery – Nuovo CIB, Milano, 2009. Nel 2012 è stata ospite dell’Intership Program presso The Peggy Guggenheim Collection di Venezia. È autrice della rubrica d’arte contemporanea Fruit Soap ed è membro attivo della redazione della rivista d’arte E IL TOPO. Numerose le partecipazioni a collettive, progetti speciali in spazi pubblici e privati in Italia e all’estero e concorsi, tra cui Premio Nazionale delle Arti, 2009; Premio Lissone, 2012;Premio Combat, 2016; Premio Cairo, 2017. Nel 2018 sarà ospite presso International Artist Residency Program at Nars Foundation – New York.

www.monicamazzone.com

Aldo Mozzini

Nato a Locarno nel 1956, vive e lavora a Zurigo. Fra le mostre personali: Lokal 14 Zürich, 2016; De Bernardo & Mozzini, Vebikus Kunsthalle, Schaffhausen, 2015; Vorzimmer OG 9, Zürich, 2013; Radix, Frohe Ussicht, Samstagern, 2011; Villa du Parc,Centre d’Art Contemporain, Annemasse (F), 2010. Fra le mostre collettive; La Ruche et la valise, Villa Bernasconi, Genf, 2017; JetztKunst Bern, 2017; Schena da vedro, Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil 2017; Obsession Dada, Cabaret Voltaire, Zürich, 2016; Grosse Regionale Alte Fabrik, Rapperswil, 2016; Sviluppo-Parallelo, Kunstmuseum Luzern, 2015; Impression 2015, Kunsthaus Grenchen, 2015. Ha vinto numerose borse, residenze e premi tra cui Anerkennungsbeitrag UBS Kulturstiftung, 2014; Swiss Art Award, 2012; Atelier in Bucharest, Pro Helvetia, 2010; è professore alla alla Zürcher Hochschule der Künste, Zürich

www.mozzini.ch

www.risseart.jimdo.com

Estetica Matematica

Mathematical Aesthetics

What makes the theory of relativity so acceptable to physicists despite the fact that it runs against the principle of simplicity is its great mathematical beauty. This is a quality that cannot be defined any more than beauty in art can be defined but it is a quality that people who study mathematics usually have no difficulty at all in accepting. Paul Dirac (1933)

Can numbers be art? The answer is yes, the relationship between mathematics and art begins primarily from our looking at things and our desire to interpret and understand it.

We need to decide which eyes to use in observing this science that Nobel prize-winning scientist Paul Dirac defined as absolute beauty, considering the mathematical equation a guide to truthfulness.

Which type of viewing must we use to relate to mathematics? From which vantage point must we attempt to understand this universal science that dialogues constantly with the arts from the fantasy, irrational, and creative point of view? Both art and mathematics address the infinite realm of consciousness.

Mathematics may be complex as a field of knowledge, but the human soul is even more so, and soul is what we need if mathematics must be examined in every aspect. Delving into the show, analyzing the artists’ differences and convergences, we see just how many visions this science affords, a science no longer considered arid and constraining but shown here in its most eclectic and harmonic form.

Through the artists David Reimodo, Monica Mazzone, Elisa Cella, and Elisa Leonini, mathematics becomes audible, colorful, and infinite. Harmony and curiosity are mathematics’ bedfellows, and when numbers entwine with art, the result can only be soothing, graceful, and musical.

Mathematics is the vector employed by Monica Mazzone, who perceives Euclidean science as an obsession and attempts to create a world that contains infinity and perfection through logic, a world in which harmony succeeds in being rational and sublime. As Pythagoras writes in Lives of the Philosophers: “Virtue is harmony, and so is health and every good and every divinity. Consequently, all things are formed to the rules of harmony”. This was the philosopher’s idea of aesthetical mathematics: things exist because they reflect an order and are what they are because they reflect mathematical laws, conditions of existence and beauty, such as harmony and the proportions of the parts of a whole, concepts that are clearly identified in the insistent investigation required of this artist – who finds the genesis of her essence in these Greek theories – in order to reach totality. Monica Mazzone develops a site-specific orthogonal projection by imagining numerical and mental spaces to be reached through equations she formulates herself, representing space on the basis of its representational possibility, intended as the option of creating a three-dimensional image. The result is a flat geometric form, the modular trapezium. This investigation of three-dimensionality through two-dimensional drawing reveals the need to develop an empirical basis for a concept that otherwise risks remaining only an ideal, the thought affirmed as the underlying principle of her studies.

Leda Lunghi

L’intenzione di una retta

Monica Mazzone: The Intention of a Straight Line

The striving for perfection may seem obsolete today, in a complex and entropic era that has buried the great ideologies under the blanket of postmodernism, leaving ample space to subjectivity and narcissism, and an expressiveness that demands a kind of freedom without constraints. However, it is a more current issue than ever if understood as the claim of a type of creativity that is opposed to the cacophony of a fantastic proliferation, in a brave attempt to give a systematic horizon to one’s own practice, in a continuous self-reflective effort: to reduce the variety of phenomena to limited and constant elements, justified, and developed with a strict internal logic, with the intention to strive for perfection.

This is the thrust that moves Monica Mazzone’s research:

the adoption of an analytical perspective that—distant relative of the Conceptualism of the 70’—declines it in the present and in the limits of a disciplinary specificity which justifies its foundation on theoretical and objective parameters, albeit arbitrarily chosen.

Mazzone takes personal issues that affect the ability of individual expression and the relationship between self and world as a point of departure. Nevertheless, she always determines some limits, restrains her radius of action and her tools. There is a clear need for “self-truth” [1] (verità di se) and also, rejecting the immediate drive-guided and self-centered expression, the need to contain and rationalize one’s own emotions to make them communicable, in the secret ambition to create a universal visual language.

However, this is not resignation of one’s subjectivity but the will to found it consciously entrenching one’s practice on concrete methodological premises. It is the choice of a disciplinary and specific commitment, based on the formalization of the process and on a deductive development, on the adoption of mathematical criteria that starting from a given hypothesis come to an unexceptionable conclusion.

«The mathematical approach in contemporary art is not mathematics itself and hardly makes use of what we know as mathematics. It is primarily a use of processes of logical thought towards the plastic of rhythms and relationships .»[2]

This sentence by Max Bill perfectly describes the intent of the artist, that is, the will to visually convey the logical relationships that underpin her work.

The initial question is “What is the smallest possible gesture to create an image?”: The analysis of the Point in Space and its development is the answer that gave rise to the series of sculptures IL MINIMO (the minimum), conceived by speculating the movement of a point on an area by improperly using a 3D software, forcing it to behave as if it was operating on a two-dimensional plane—making the Cartesian axes to match—thus generating graphics, ellipses and hyperboles from which simple geometric shapes derive, that are then multiplied and assembled.

This rationality is reflected in the harmony and balance of the work, the result of an immediately perceptible consistency.

The obvious reference to Minimalism is a present but remote suggestion in the polygonal geometry of the Image-Objects—thus Mazzone defines her works by highlighting the overcoming of the idea of sculpture and painting, and of two and three-dimensionality—and their variations, as well as in the two-dimensional works: flat colour fields, painted without gestural traces matching the colours according to a complementary logic, which combinations evokes emotional horizons. In the use of color—although normally the artist prefers shades of gray which she considers the equivalent in colour to silence—there can be detected a polysemic parenthesis, because the complementary opposition recalls the duality present in the real, and the less frequent use of gold alludes to the pictorial tradition.

Starting from IL MINIMO, Mazzone takes a step further and presents a new series of Image-Objects that expresses the consistent evolution, focusing on the progress of a straight line, in its many representative possibilities, virtual or actual. The straight line is a drive in its becoming, the emotional component that pushes and moves the point, is the intentional motor of the Picture-Object: according Mazzone it means “to add to the minimum forms a controlled emotional charge’, making empirical the geometric process that produces a visual image with a sentimental impulse, summarized by the title “The Intention of a Straight Line”.

Explicitly referring to orthogonal or isometric projections, Mazzone creates continuous forms that represent the tipping space and—by matching the two-dimensional projection with three-dimensionality—incorporate in themselves their processing power. They are transcriptions of a conceptual process that is made concrete by describing a hypothetical but plausible dimension, mental and real at the same time.

So, the identity between sculpture and space becomes apparent, and the indissoluble relationship between Image-Object and exhibition environment, as in La porzione della metà, a geometric assembly embracing the supporting column of the exhibition hall, of which it represents a possible development. Or as in Elenchi, which mirror themselves, one being the negative part of the other; or even Proiezionesemplice2, a diptych that depicts, almost tautologically, the concept that underpins the whole ensemble works.

Mazzone’s Image-Objects are the bearers of a double intention, theoretical and related to the praxis, imaginary prototypes, each of which is an attempt to arrive to a more precise balance between formal outcome and conceptual principle. Ideally these Image-Objects are part of a movement to approach perfection, they reflect a tension towards the absolute and at the same time a reflection, cool and detached, of their own relationship with the present.

Rossella Moratto

[1] «Verità di sé », Dino Formaggio, I giorni dell’arte, p. 131. (Complete disclosure of one’s own operating structures)
[2] Max Bill, The Matematical Approach in Contemporary Art, in «Structure», serie III, n. 2, Bussum, Holland, p. 65, riportato in Filiberto Menna, La linea analitica dell’arte moderna, Einaudi, Torino, 1984, p. 73.

The Perfect Universe

For the first time ever, the Merkur Gallery in Istanbul presents a project of an Italian artist with a solo show by Monica Mazzone. “The Perfect Universe” is a study into the idea of being able to perceive and express visually the obsession for perfection, unattainable by definition, in anything plausible, in a trend, in an ambition.

Thus, the fascination with the universal concept of “Infinity ” is transformed into the creation of alternative parallel worlds in which one may evade. These numeric and mental places, emotional catalysts for attention, are translated into “Image-Objects” and “Color-Images”, categories according in which the artist works not bothering to create paintings, drawings or sculptures, but using the installative setup as a visual support of the numerical supposition, the fundamental principle for each work. Monica Mazzone, in fact, applies mathematical rules to determine each point both in the artworks space and in the gallery space. The geometry is proposed as a guiding principle of the creative act that accompanies the artist’s necessity to “think in colours”. The purple and green become parts of the platonic androgyne, yin and yang, masculine and feminine, dualities for excellence. The artist herself explains that “…everything stems from the need for unconditional love, where the concepts of time and attention play a key role in the search for the perfect emotion, as if the action to make could coincide with the internalization of the sentiment”. In each Image one can feel the perception of an abstract memory, atemporal; the depictions are intended as micro narratives, tales of faraway places and at the same time, as maps that lead to an infinite world-unlimited-Iperuranio. The possibility to create a Perfect Universe.

Merkur Gallery

…per un quasi infinito

Monica Mazzone: …For an almost Infinite

The survey Be/Twin goes on at Galleria Formentini with Monica Mazzone’s exhibition Per un quasi infinito, which will open Tuesday March 12 2009, 7pm.

Organized thank to the support of Bayer per la Cultura and Brera Fine Arts Academy, the survey gives a voice to the experiences of young Italian artists, whose ideas sometimes intertwined and overlapped, give back a kaleidoscopic and fascinating vision of the world, complex and never obvious.

Monica Mazzone’s oeuvre is also going in this direction, it focuses on a binomial among the most fascinating of contemporaneity: Art and Science.

Our always-more-technological world is truly a negation of Art? Monica Mazzone is not convinced in any way, moreover, she re-launches Art through Science, or better: she makes Science to be a vehicle for Art, because if Art’s aim is to open new roads, to surprise and to open questions, so it is indeed true that today Art and Science overlap more often than we believe. The artist says: “Today, I believe, scientific research can bring something new. This is why in my work, I always start from science.” Science (and Art…), which aim can truly be an “almost infinite”, the best approximation to the infinite, temporal and spatial.

The exhibition, composed of five high-impact installations of great conceptual coherence, revolves around the topic of the search for stability. Monica interrogates herself about the world, about the current mechanisms of fixation of instants, moments, of on-going processes, that are crystalized in her work, however not losing their vital characteristics. It is not death what the young artist is interested in, but on the contrary, the deepest mechanisms that regulate life, that make it stable, durable, continuous, and may be eternal…

A life that bursts out from a work like “Talli/Spillo” , photo on paper mounted on aluminum, which depict the sections of an uterus and of a glans, and through the digital pictorial evolution, “fix” genes and chromosomes in their spectral being, in their instantaneous and eternal existence and at the same time in their essence (projected to the future) of genetic patrimony, of givers of life. A subtly paradoxical “photography of evolution, which seems to propose a bi-univocal relationship between both terms, as in the very well-known Heisenberg’s Law: Of an object, one can know speed and position, but the more one knows the first, the less one knows the second.

Monica Mazzone works on the edge of this theorem, she fixes that which would be theoretically impossible to fix, she insists on an oxymoronic “stationary movement” that becomes extraneous to the idea of “stabilized life”, and that contains a hint of something reassuring, familiar (“Talli” and “Spillo” are the nicknames of the artist’s parents when they were child) and at the same uncanny, artificial (as is life in the world today).

Above we were talking about “Bi-univocal Relationship”, which not by chance is the title of another work in the show, composed by thuja branches (a conifer known as the Tree of Life). These branches are disposed to form a small wood, a “protected reserve” stable and immobile, a life that defends itself and auto-reproduces, that closes on itself and protects its existence, something always similar to itself, a given moment that extends to the infinite, as in a bubble. And precisely bubbles are at the center of other two installations. “Delle quasi sfere” is the first one, of a vaguely ludic character. A machine to produce soap bubbles based on a chemical component that makes each bubble to live longer. The ephemeral (the soap bubble) that becomes durable. “The sphere”—Mazzone explains”—“is the perfect form, it has its own equilibrium, an intrinsic stability”, mathematically expressed with the famous number π, that links the diamter with the radio of each circle, and three-dimensionally, of each sphere. In this sense, Monica Mazzone’s work seems to reach to the same mathematical roots of the world, to its constitutive elements, to present itself as a sort of “golden proportion of life”…

Bubbles (this time of glass) return in “Sezione di brivido stabilizzato”, to symbolize the minuscule particles of air that form under the skin when the human body shivers. The artist begins with the minimal, localized and instantaneous sensation of the shiver, to “fix” it, and once more, to ask about its nature, about its essence. It is a long a shiver without an end the one that accompanies the viewer, who in the space of the gallery, moves among the visceral works by Monica Mazzone, among her artistic-scientific researches of an impossible stability. Against the always lurking chaos.

And so now the construction of the last installation, “Macrocosmo in microcosmo stabile”, is the perfect mise en abyme of Monica’s thought: a sealed transparent glass inside which live—in perfect harmony and independence—some small plants, without oxygen or water, but able to produce by themselves what they need for surviving. The glass is the microcosm, the plants are the macrocosm that found the strength to stabilize in an apparently hostile, inhabitable environment. An environment that became a small bubble of safety and stability, a small “contemporary world”, to paraphrase Fogazzaro, that exists and that’s all, that perpetuates itself in the most perfect—and at the same time disturbing– formula for stability that brings together life and non-life, time and space, stability and change. Because life have to be preserved (may be) forever. Or almost…

Matteo Fontana